Ha nem veszi észre, Los Angeles kiállítási helyiségekkel gazdagítja. A LACMA 100 000 műalkotásnak ad otthont, és az Egyesült Államok nyugati részének legnagyobb múzeumává teszi. Az 1965-ben megnyitott múzeum a művészettörténet és a világ számos területére összpontosít. Hol kezdjem? Tíz must see művet profilozunk a LACMA-nál.
Síró nő zsebkendővel (1937), Pablo Picasso
Picasso 1937-ben festette ezt Spanyolországban, miután befejezte híres munkáját, a Guernica-t, amely a spanyol polgárháború ellen tiltakozott. Ezt követően Picasso a festési stílusát a szürrealizmus felé változtatta, de a síró nőt továbbra is gyakran festette. Az elfogott nő nemcsak személyes zavarát ábrázolja, sokan úgy vélik, hogy szeretője és szeretője, Dora Maar arcképe, hanem a háború áldozata is - felesége és anyja, akinek a megsemmisítése miatt gyötrelemben maradt. A festmény hihetetlenül erőteljes és elgondolkodtató. A múzeum Picasso alkotásainak különféle változatai állnak rendelkezésre, különféle korszakokból, így felfedezheti ennek a nagyszerű művésznek a gyűjteményét.
Fotó: Daren DeFrank
Shiva mint a tánc ura (kb. 950–1000), Tamil Nadu
Shiva a pusztító és a helyreállító egyike a három hindu istennek. A többiek között szerepel a Teremtő Brahma és a Vishnu a Megőrző. A Shiva széles körben népszerű és imádja az egész Dél-Indiában. Shiva a jóga és a kozmikus tánc védőszentjeként is ismert, aki folyamatos ritmikus ciklusokban teremtette meg az univerzumot. Ebben a ábrázolásban Shiva egy olyan láng körül táncol, amely a lótusz talapzatán emelkedett, és sokan azt gondolják, hogy a teremtés szimbóluma. A szobor az indiai civilizáció szimbolikusává vált. A munka megragadja Shiva kegyelmét és isteni egységét. A szobor az Ahmanson épület negyedik emeletén található, és közelről nézve könnyen belátható, hogy ez a szobor milyen jelentős szerepet játszik az indiai kultúrában, valamint azt is, hogy miért emlegetik a darab világszerte.
Fotó: Daren DeFrank
Birkózók (1899), Thomas Eakins
Ezt a festményt könnyű megtalálni a galériában, mert egyszerűen csak figyelmet igényel. Hirtelen annyira elbűvöl a tiszta kép, hogy nehéz elfordulni. Eakins-t a XIX. Század egyik legnagyobb realista amerikai festőjének tekintik, és könnyű belátni, miért. A festmény úgy néz ki, mintha előtted zajlik, a mérkőzés közepette két birkózó összefonódik. Sok munkája célja az volt, hogy megragadja a „modern élet hősiességét”, és gyakran órákat töltött ezeknek a pillanatoknak a létrehozásával. Gyakran két sportoló birkózna vele, és aztán kitalálja, melyik pozíciót találja a legstílusosabbnak. Ez a festmény az utolsó formája az emberi forma témájában, és karrierje vége felé készült el. Úgy gondolják, hogy ez reprezentálja saját életének csalódását. A festmény minden bizonnyal félelmetes. Ki tudta, hogy a démonokkal való birkózás olyan gyönyörű lehet?
Fotó: Daren DeFrank
Három Quintains (1964), Alexander Calder
Ez a szobor egyedülálló nemcsak Alexander Calder Három Quintains műjének tervező elemei tekintetében, hanem azért is, mert a darabot a múzeum számára készítették. A múzeum megnyitása előtt egy bizottság jött létre a szökőkút-szobor megvásárlásához. A múzeum felajánlotta a Bizottságnak a Calder számára a bizottságot, aki 1964. júniusában megállapodott abban. Laurelle Burton, aki akkoriban volt a Művészeti Múzeum Tanácsának elnöke, azt mondta: „Annak, hogy Alexander Calder híres embere legyen az első, aki kifejezetten egy szobrot tervez. Az új múzeum meghatározná a művészek és az adományozók jövőbeli erőfeszítéseinek színvonalát. ” A szökőkút egyszerű geometriai formákból áll, amelyek Calder stílusára jellemzőek, lebegnek és a vízsugarak meghajtják. A darab egyike azon kevés szökőkút szobroknak, amelyeket Calder valaha készített. A munka állandó kiállításon van az Igazgató Kerekasztal-kertjében.
Virágnap (Dĩa de Flores) (1925), Diego Rivera
Diego Riveranak természetesen nincs szüksége bevezetésre. Festményei különféle médiumokban, többek között akvarell és olaj, világhírűek. Ez a festmény egy kötelező mű! A festmény középpontjában a calla liliom eladó. A virágokat felülről nézzük, ami egyedülálló perspektíva. A darab kompozíciója azért is érdekes, mert a figurák blokkszerű stílusban vannak, és ezt a technikát Rivera karrierje korábban a kubista festményéből tisztelte. Miután 1925-ben elnyerte az első helyet az Olajfestmények Pánamerikai Kiállításán, a LACMA szülő intézménye, a Los Angeles-i történelem, tudomány és művészet múzeuma nyerte el.
Diego Rivera Virágnap © Joaquin Martinez / Flickr
Csempe gördülő virágos arab stílusban (15. század), Nagy-Irán
A LACMA kiállításának része, az Islamic Art Now - 2. rész, ez a kerámia darab a 15. századra nyúlik vissza. A kiállítás egésze a múlt és a jelen művészetének keverékére összpontosít különféle médiumokban és témákban. Ez a lapka a timuridi szabályhoz tartozik Iránban és Közép-Ázsiában. A timuridok által szponzorált épületeket gyakran díszítették ilyen dekoratív burkolólapokkal. A csempe darabjait különböző csempekészletekből, különböző színű tömbökkel kivágták, hogy mozaikot készítsen, amely összekapcsolódik másokkal, és a szerkezetek külső oldalán összetett tervezést hoznak létre. A legmegdöbbentőbb ebben a darabban az, hogy a csempe kora és kopása ellenére a korszak színei továbbra is élnek.
-
- Mozaik © Beesnest McClain / Flickr
La Trahison des képek (Ceci n'est pas une pipe) (1929), René Magritte
Ezt a képet nemcsak René Magritte szürrealisztikus remekműveinek tekintik, hanem a modern művészet ikonjának is elismerten. A szürrealizmus egy olyan művészeti stílus, amely befolyásait erősen vonta a Freud pszichológiája. Szimbolizálta a „racionalizmus” elleni reakciót, amely szerint sokan hozzájárultak az I. világháborúhoz. Szó-képfestményei példái a szavak képeivel és tárgyakkal való kombinálásának lehetetlenségéről. Magritte reklámban dolgozott, és művészként dolgozott, és a festmény először egyszerűsítettnek tűnik - szinte eladta a darabban ábrázolt csövet. Azonban a „ez nem egy cső” szavak alatt olvasható, ami először zavaró. A bonyolult elem az, hogy egy cső festménye valójában nem egy cső, hanem csupán egy cső ábrázolása. Szövege festményekben való felhasználása hatással lesz egy koncepcióorientált művész generációra, ideértve: Jasper Johns, Roy Lichtenstein és Andy Warhol.
Fotó: Daren DeFrank
Csendélet cseresznye és őszibarack (1885-1887), Paul Cézanne
Paul Cézanne a 19. század legendás posztimpresszionista festője. Festményei különféle tárgyakat tartalmaznak a tájaktól a portrékig és csendéletekig. Különböző asztali beállításokkal rendelkező ikonikus festményei azonnal felismerhetők a művészeti világban és kívül. Cézanne élénk színeket és ecsetvonásokat használt a képek intenzitásának megragadására, amire a festészet példája. A festészet nézőpontjai változatosak. A cseresznyefajtákat a fenti fókuszpontból tekintik, míg az őszibarack, közeli közelségük ellenére, inkább oldalsó szög felé néz. Az üveg és a lap az asztal beállítást kíséri, és realisztikus, mégis absztrakt, ugyanakkor ez jellemző a posztimpresionizmusra. Ez a darab klasszikus példa a Cézanne magával ragadó stílusára és önmagában egy must see festmény.
Fotó: Daren DeFrank
Hideg váll (1963), készítette Roy Lichtenstein
Roy Lichtenstein azon művészek csoportja, akik kereskedelmi képeket használtak munkáikban és átalakították. Ezek a stílusok Pop Art néven vált ismertté, és az 1960-as években vált divatossá. A vastag színek és vonalak használata képregény-típusú képeket hoz létre. A pontos rajz a vászonon is laposan áll, szándékosan, anélkül, hogy a méretet felhasználná. Ezenkívül a „Hello” című darab szövegének a hátrafelé néző nővel való párhuzamos elhelyezése érdekes dinamikát hoz létre. A Ben-Day (nyomtató) pontoknak nevezett stílus felhasználásával, amely egy képregény készítésében alkalmazott gépesített eljárás, Lichtenstein a technika kézzel készített értelmezésével hozza létre a nő bőrét.
