A kinetikus művészet úttörőinek nyomában, például Wen-Ying Tsai, aki 2013 januárjában elhunyt, a Kína, köztük Tajvan és Hongkong művészei egyre inkább új médiát kísérleteznek. A fiatal nemzedék nagy része szoftverrel és robotikával dolgozik, hogy interaktív és magával ragadó kinetikai installációkat hozzon létre, amelyek a performatív és a részvételi képességekig terjednek, és mind meglepően csodálatos példák a növekvő robotművészeti jelenetben.
Dimension +
A Dimension + egy új médiaművészeti kreatív csapat, amelyet két tajvani és hongkongi művész, Escher Tsai és Keith Lam alapított. A kollektív művészet és a technológia összeolvadására összpontosít. Projekteik az új média beillesztésére az űrbe és az új médiaművészetbe az iparba, interdiszciplináris interaktív tervezés létrehozására és a közönség interakcióval kapcsolatos tapasztalatainak javítására. A digitális korszakon alapuló Dimension + célja a digitális és a fizikai közötti dichotómia áthidalása azáltal, hogy a láthatatlant és a digitális képet látható és kézzelfogható elemré alakítja át, amelyet az analóg és a digitális média kombinálásával lehet elérni.
A Dimension + számos nemzetközi díjat nyert, és nemzetközi fesztiválokon, kiállításokon és rendezvényeken vett részt, többek között Olaszországban, Ausztriában, Japánban, Pekingben, Sanghajban, Kantonban, Hongkongban és Tajvanon.
Signal Morphor: A Zenekar egy interaktív és performatív installáció, amely a kommunikációt zenei partitúra alakítja és „életet” ad anyagi (vagy immateriális) jelekhez. Az előadó a közönség, és a kommunikáció audiovizuális elemekké alakul. Esernyővel rendelkező táncosok csoportja emberi antennaként lép fel, fordítva vagy dekódolva a kommunikációs jeleket, reagálva a kapott információra, és reagálva erre.
A vertebra elnevezésű műsor-sorozat, amelyet a közelmúltban mutattak be a Taipei Digitális Művészetek Fesztiválján és a The Innovationists című filmben, kinetikus és robotművészetek kiállítását mutatják be a hongkongi K11 Mall-ban és a Taipei Kortárs Művészeti Múzeumban. A művek fő anyagként papírt használnak, és olyan gerincoszlopok reprodukciói, amelyek állati szerkezettel és szilárdsággal, valamint növények lágyságával és rugalmasságával rendelkeznek, és így létrehozzák a „tökéletes” lény hibrid prototípusát.
Eric Siu
Eric Siu egy hongkongi új média művész, aki eszközművészettel, interaktív művészettel, kinetikával, installációval, videóval és animációval foglalkozik. Most kreatív igazgatóként dolgozik a Great Works Tokyo reklámügynökségnél, és 2008 óta a hongkongi Videotage igazgatósági tagja. 2005-ben kreatív média szakot szerzett a hongkongi városi egyetemen, majd folytatta 12 hónapos kulturális csere- és kutatási projekt befejezése az Egyesült Államokban. Video- és multimédiás alkotásait világszerte kiállították, többek között intézményekben és új médiaművészeti rendezvényeken, mint például a ZKM Karlsruhe, a MOCA Taipei, a Transmediale, a SIGGRAPH Asia, az ISEA, a Microwave.
A legnépszerűbb Touchy munkája kritikus elismerést és első díjat nyert a WRO 2013-ban, a 15. Nemzetközi Médiaművészeti Biennálén, Wroclaw, Lengyelország, és szerepelt a Discovery Channel és más nemzetközi média kiadványokban. A Touchy egy „emberi kamera” - egy kamerát viselő személy -, amely 10 másodpercnél hosszabb megérintésével fényképez. A hordható sisakkészüléknek olyan funkciója van, mint egy kamera, amely egy pár automata redőnyt, egy működőképes kamerát és egy interaktív képernyőt tartalmaz. A Touchy a redőnyök mögött általában vak, és a mű valójában egy ember kamerává történő átalakítása. A művész ezt a munkát „fenomenológiai társadalmi interakciós kísérletnek nevezi, amely az adás és a fogadás kapcsolatára összpontosít azzal, hogy az embert szó szerint kamerába konvertálja”. A művész számára ez a munka célja a digitális korszak társadalmi aggodalmainak gyógyítása, játékos interakciók létrehozásával. A jelenlegi technológiai korszakban a fizikai érintkezés dehumanizálódott, és a társadalmi interakció egyre inkább virtuálisan és digitálisan zajlik. A Touchy ezeket a problémákat úgy oldja meg, hogy lehetővé teszi az idegenekkel való interakciót, magában foglalja a fizikai kapcsolatot és az ember és a szociális technológiai eszköz kombinációját: egy kamerát, amely viszont eszköz az emlékek, pillanatok, érzelmek, szépség megosztására.
Xia Hang
Xia Hang (született 1978-ban, Shenyang, Liaoning tartomány, Kína) 10 éves korában kezdte el a festést, és a Lu Xun Képzőművészeti Akadémia BFA-ján és a pekingi Központi Szépművészeti Akadémia Szobrászati osztályának MFA-ján végzett. CAFA). A CAFA-ban töltött ideje alatt Xia elkezdett vessző alakú szobrot készíteni polírozott rozsdamentes acélból, amely az ő jelenlegi mechanikus idegen szobroinak előfutára.
Xia Hang idegen stílusú szobrok sorozatát hozta létre, amelyek mechanizmusokkal kiegészítve mozgatják, nyújtják és megváltoztatják a formát a közönség interakciójával. A művész olyan interaktív alkotásokat készített, amelyeket először a 2008. évi pekingi kiállításán mutattak be, „Kérem, ne érintse meg” (áthúzott „érintéssel”) címmel, és megcáfolta azt a múzeum- és galériaszabályt, amely megtiltja a műalkotások érintését. Xia Hang úgy érezte, hogy ez a fajta jel még inkább leválasztja a nézőt és a műalkotást, ezért úgy döntött, hogy olyan műalkotásokat készít, amelyek közelebb hozzák a kettőt, és így a szobrok játékké válnak.
A Xia Hang létrehozta az LM1-et is (Legacy Machine No. 1) az MB&F-vel együttműködve. A mű olyan óra, amely megőrzi a 19. századi zsebóra minden vonzó tulajdonságát, az eredeti LM1 ihlette. A Xia Hang verzió új funkciót mutat be, miniatűr rozsdamentes acél szobor formájában, amely egy férfit mutat, aki jelzi az órák energiatartalékát. 'Úr. Fel, a szobor egyenesen ülő szobor, amikor a mozgás teljesen fel van sebezve, lassan „Mr. Down ', egy lejtős alak, amikor a teljesítmény csökken.
Wu Xiaofei
Wu Xiaofei (Dyson) a képzőművészeti diplomával diplomázott a Batley Művészeti és Tervezési Iskolában, a Dewsbury College-ban, Egyesült Királyság. Jelenleg Wu Chengdu-ban található, és megtanulja a papírvágás hagyományos művészetét, és kinetikus projekten dolgozik. Fiatal, introvertált fiúként nőtt fel, és Wu szenvedélye volt, hogy szétválasztja a dolgokat és újraépítse őket a semmiből. Meghibásodás felfedezése és a megoldás megtalálása vonzotta őt saját mechanikai munkáinak fejlesztéséhez. A Wu olyan kontrapciók és kinetikus installációk létrehozására összpontosít, amelyek megkövetelik a közönség interakcióját és ösztönzik a kíváncsiságot.
A Zene Írógép egy példája az interaktív installációinak, felhívva a fiatalokat és felnőtteket, hogy játsszanak vele. Általában az írógép használata egyszerű írástevékenység, amely lehetővé teszi a felhasználó számára, hogy megtudja, mi a billentyűk megnyomása. Wu telepítésében a kulcsok egy sor horgászzsinórhoz kapcsolódnak, amelyek kis kalapácsokkal vannak összekötve. A gombok megnyomásakor a kalapácsok különféle tárgyakat üthetnek el, például üres tésztaszószos üvegeket, kannákat, palackokat, fóliát, és különféle hangokat generálnak. A kapcsolatok ismeretlenek a közönség számára, ami kiszámíthatatlan hangrobbanást eredményez. Jelenleg Wu igyekszik finanszírozást vagy szponzorációt szerezni az Ikeától, hogy javítsa a projektet és javítsa háttérét.
Samson Young
Samson Young (1979. született) zeneszerző, hang- és új média művész Hongkongból, szinte félelmetesen lenyűgöző önéletrajzával. A Sydney-i Egyetemen 2002-ben zene, filozófia és nemek tanulmányainak diplomáját, valamint zenei zeneszerzés MPhiljét a hongkongi egyetemen szerezte 2007-ben. Ph.D. zenei összetételének PhD-t a Princetoni Egyetemen (USA) és asszisztens a kritikus intermedia művészet professzora a kreatív média iskolájában, a hongkongi városi egyetem. Mentorjai között szerepel Chan Hing-Yan és Paul Lansky. Young kiállított és fellépett nemzetközileg is, beleértve a Sydney Springs Nemzetközi Új Zenei Fesztivált (Ausztrália 2001), a Canberra Nemzetközi Zenei Fesztivált (Ausztrália 2008), az ISCM Világzene Napjait (Ausztrália 2010), a MONA FOMA Zene és Művészeti Fesztivált (2011), Mikrohullámú sütőt. Nemzetközi Új Média Művészeti Fesztivál (HK 2004), többek között. 2007-ben ő volt az első hongkongi művész, aki elnyerte a Bloomberg feltörekvő művészek díját audio-vizuális projektjével, a The Happiest Hour-val.
Annak ellenére, hogy a szélsőségesekben ezt a sikert hívják, Young reflektív és gondolkodóképességű, vonásai is megjelennek, amelyeket művei mutatnak. „A semmit nem készítő gépei” (2011-2014) olyan apró elektronikai tárgyak gyűjteménye, amelyeknek a játékhoz való felhasználásuk kivételével egyáltalán nincs funkciója vagy értelme. Létezésük bizonyítja, hogy az interaktivitás lehet csábító vagy akár addiktív is, és a mű a legalapvetőbb szintjén feltárja az „ember-gép interakció esztétikai örömeit”. A Beethoven 1–14-es zongoraszonáta (Senza Misura) 47 nyitott stílusú kenyérvonalas áramkörből áll, amelyek elektronikus metronómként működnek. E kis eszközök mindegyike ketyeg és villog, jelölve a tempót a szonáta egyik mozdulatából.
Annie Wan
Annie Wan Hong Kong új médiaművésze. 2002-ben diplomát szerzett a kreatív média szakán a hongkongi városi egyetemen, majd 2005-ben a svédországi Chalmers Műszaki Egyetemen alkalmazott informatikai (művészeti és technológiai) diplomát. 2012-ben a digitális művészet PhD fokozatot kapott. és kísérleti média a Washingtoni Egyetemen, az Egyesült Államokban. Jelenleg a Hongkong Baptista Egyetem Kommunikációs Iskolájának (Film Akadémia) asszisztens. Wan nemzetközileg is kiállított fesztiválokon, rendezvényeken és kiállításokon, ideértve a Multimedia Art Asia Pacific Conference 2004 (Szingapúr), a ZeroOne / ISEA 2006 (San Jose, Egyesült Államok), a francia pavilon a 10. velencei építészeti biennálén. 2009-ben elnyerte a döntős díjat az Asia Digital Art Awards 2009-en, Fukuoka, Japán.
Annie Wan munkái elsősorban a helymeghatározó médiára, a beágyazott elektronikára és a hálózati alapú rendszerekre koncentrálnak. Hol a csirke? (2008-2009) egy helymeghatározó robotikai nyilvános alkotás, amelyet a Hongkong Művészeti Fejlesztési Tanács támogat. A munka narratív előadásként funkcionál, amelyet a robot interakciójával, annak kulturálisan sajátos helyének és a részt vevő közönségnek a kölcsönhatásával készítünk. Megtestesítve a nyilvános interakciót, az együttműködő narratívát, az automata rendszert és a mobil technológiát, a mű egy életformájú mechanikus automata, amely nem csupán a valóságot szimulálja, hanem lehetővé teszi a közönség számára, hogy vele kapcsolatba lépjen, megváltoztassa, átalakítsa és elforgassa az ilyen valóság észlelését. Az installációval való kölcsönhatás révén a közönség együttműködik annak fejlesztésében, valamint az előadás körüli narratívák folytatásában. A közönség a „csirke város térképének” összegyűjtésében is segít, megosztva tapasztalatait a művészkel.
Shyu Ruey-Shiann
Shyu Ruey-Shiann (született 1966, Taipei) jelenleg Taipei és New York között található. Nemzetközileg is kiállított, mint például a Tajvani Nemzeti Szépművészeti Múzeum és a Tajpej Kortárs Művészeti Múzeuma, a New York-i Chelsea Művészeti Múzeum, a Hong Kongi Művészeti Központ és az ausztrál Perth Kortárs Művészeti Intézet.
Shyu ismert az 1997-ben elindított mechanikus és kinetikus szobrok készítésével, amelyek mechanikus formát használnak absztrakt nyelvként, amely elképzeléseit és érzéseit közvetíti az élet, az emlékek és a környezettel, a politikával és a társadalommal kapcsolatos kérdésekkel kapcsolatban. Mechanikailag összetett művei ezer olyan alkotóelemből állnak, amelyeket maga a művész tervezett és készített, ám megőrzi az egyszerű megjelenést és az egyszerűség benyomását kelti.
A magatartás egyik fajtája a legutóbbi munkája, nyilvános kültéri installáció, amelyet 2014. augusztus 17-ig mutatnak be a New York-i Bronx Művészeti Múzeumban. A telepítés tucatnyi azonos méretű acél vödörből áll, amelyek szétszóródtak a terasz padlóján és hullámosak. a saját egyéni ritmusukhoz. A munkát a remete rákok kvázi-mechanikus mozgása ihlette, amelyek lassú mozgásai ellentétben állnak a kortárs társadalom mozgásának sebességével. A remete rák más fajok által dobott kagylókat is használ, és Shyu ezt emberi állapotunk metaforájának tekinti. A művész arra kér fel bennünket, hogy gondolkodjunk körül környezetünkben és az emberi cselekedeteknek a természetre gyakorolt következményeiben.
Akibo Lee
Akibo Lee (Li Ming-dao) egy tajvani művész, aki foglalkozik a digitális művészettel és a robotikával. Híres a tajvani popzeneipar tervezői munkájáról. Világszerte kiállított, többek között Hongkongban, Kínában, Tajvanon, Szingapúrban, Japánban és az Egyesült Államokban. Lee foglalkozik interdiszciplináris munkával és robotokat készít különféle közönség számára, beleértve a kereskedelmi márkanevet, a vizuális művészetet, az előadóművészetet és a közművészetet.
Az egyik legszélesebb körben ismert munkája a BIGPOW, egy robotberendezés, amely három, egy nagy és két kisebb robotból áll. Játékos és aranyos megjelenésű, a három robot egy látszólag statikus formatervezés mögött rejti el az interaktív alkatrészt. A robotok metamorfizált hi-fi berendezés, és a nyilvánosság csatlakoztathatja MP3-készülékeit hozzájuk, és zenéjét nyilvánosan megoszthatja.
Kifejezve az elektronikus zene iránti szeretetét, Lee két táncrobotot is létrehozott: Ding és Lulubo. Ding egy nyolcszárnyas polip-szerű lény, Lulubo nőstény robot, gyönyörű alakú. A két robot tánctermekben és színházban, a Hip Hop-ban és az elektronikus ütemekben „fellépett”, valamint „tánccsoportokkal” működött együtt.
Írta: CA Xuan Mai Ardia
